Le meilleur film de la semaine, c’est incontestablement Después de Lucia. Lauréat de la section Un Certain Regard en mai dernier à Cannes, il va représenter le Mexique aux Oscars fin février prochain. On  doit cet excellent long métrage au réalisateur Michel Franco, 33 ans, déjà auteur d’un premier essai très réussi, Daniel & Ana.

Il y traitait de  l’inceste, avec un frère et une sœur kidnappés et que leurs ravisseurs forçaient à coucher ensemble devant une caméra. Dans Después de Lucia, il évoque les tribulations sordides d’une adolescente victime de "bullying" scolaire, c’est-à-dire de harcèlement en l’occurrence particulièrement  violent.
 
Roberto, qui vient de perdre sa femme, décide de tourner la page et de s’installer à Mexico avec  Alejandra, sa fille de 17 ans. Elle croit se faire de nouveaux amis dans un lycée fréquenté par des élèves de la bonne société mexicaine et est même invitée pour le week-end dans  la résidence secondaire des parents de l’un d’eux. 

L’alcool aidant, Alejandra se laisse séduire par un garçon qui filme leurs ébats sur son portable et poste la vidéo sur internet. Toute l’école en a la primeur et le quotidien d’Alejandra bascule gravement. Ses prétendus camarades la traitent de traînée, se transforment en bourreaux et se mettent à l’humilier, à la torturer physiquement et mentalement. Face à l’escalade des insultes et de la violence, Alejandra  choisit de devenir l’esclave de ses tortionnaires. Un choix dangereux qui la voue à une vraie descente aux enfers.

Un film fort, choc, coup de poing, glaçant. Un film où Michel Franco donne à voir mais n’explique pas. Il ne dénonce ni ne juge mais expose les faits avec une implacable rigueur. D’une manière clinique, froide, sans la moindre complaisance, il dit la souffrance, la destruction d’un  être humain par des ados brutaux et indifférents. C'est impressionnant.

De passage à  Genève, le cinéaste évoque brièvement son parcours. Autodidacte, il  cite des réalisateurs qui l’ont poussé vers le cinéma, comme Michael Haneke, Robert Bresson, Ingmar Bergman ou Luis Bunuel. "Je les aime tous, ils ont été des découvertes pour moi, mais ce ne sont pas à proprement parler des références".

Dans Después de Lucia, vous vous livrez, par le biais du harcèlement d’une jeune fille, à une sorte d’étude, voire d’autopsie de la violence.

Effectivement. Toutefois, ce qui me fascine davantage que la violence, c’est son acceptation par Alejandra. Au début elle résiste, mais petit à petit, réduite à un objet, elle se résigne. Et plus elle se laisse faire, plus cela excite les lycéens qui dépassent les limites. Honteuse, proche de la dépression, elle est devenue une cible facile.

En somme elle est comme tétanisée par les traitements dont elle est victime.

Jolie fille, jeune et gentille, elle ne pouvait pas imaginer le cauchemar qu’on lui fait subir et dont elle ne peut parler à personne. Surtout pas à son père. Je veux aussi prouver que n’importe qui peut être piégé par une forme de violence presque banalisée, via le numérique.

Vous affirmez votre refus de manipuler le public. Pourtant il y a une scène terrible qui pourrait signifier le contraire.

Pas du tout. J’ai le plus profond respect pour les spectateurs. Pour moi, le film doit les émouvoir et  leur faire comprendre ce qui se passe. Ce que je montre est destiné à provoquer le débat, mais également  à divertir.  

Vous allez représenter le Mexique aux Oscars. Quelle a été votre réaction lorsque vous l’avez appris?

C’est un honneur et j’en suis fier bien entendu. Cela dit, je n’en fais pas tout un plat. Un million de gens ont vu mon film à Mexico et la nomination aux Oscars en incitera plein d’autres, j'espère, à aller le voir. Pour moi c’est ça, le vrai prix.

Infatigable, Michel Franco a déjà terminé son troisième opus, A los ojos. Il s’agit d’un film sur le trafic d’organes, dont les héros sont les SDF de Mexico.

Film à l’affiche dans les salles romandes, mercredi 16 janvier.

Pour abonder dans le sens d’un critique particulièrement hostile, il y a quelque chose de profondément déprimant à constater l’engouement suscité par  Django Unchained, au simple motif que le film est signé Quentin Tarantino…

En effet, cela confine souvent au délire. L’œuvre est en gros jugée aussi "éblouissante que jouissive  et désopilante, formellement inattaquable avec des plans à tomber par terre et d’une beauté à couper le souffle, interprétée par de magnifiques acteurs et remarquablement écrite par un cinéaste en grande forme".

C’est en tout cas cette dernière qualité retenue lors de la remise des Golden Globes, prélude aux Oscars, puisque celui du scénario a été raflé par le réalisateur. Qui espérait sans doute mieux. Mais c’est déjà trop pour cette histoire de vengeance, où le chouchou des cinéphiles nous fourgue  sa vision pour le moins saugrenue de l’esclavage.

Nous sommes en 1858,  deux ans avant  la guerre de Sécession. Le Dr King Schultz, un chasseur de primes d’origine allemande,  libère de ses chaînes un jeune Noir du nom de Django et lui inculque quelques rudiments du métier pour l’aider à abattre  trois criminels dont la tête  est mise à prix. En échange, il lui permettra de tirer sa femme des griffes du redoutable négrier Calvin Candle, riche et véreux propriétaire terrien.

Depuis longtemps tenté par le genre, Tarantino se lance ainsi dans le western spaghetti , où il multiplie les mises en abîme, les clins d’œil et les hommages, sans oublier de s’autociter. Le tout  sous prétexte de pamphlet antiraciste, propre à un déferlement d’hémoglobine et de violence d’une complaisance crasse, jusqu’à l’explosion sanglante finale.  

 Une pléiade de stars

Embarquée dans cette nouvelle aventure tarantinesque grandguignolesque, une pléiade de stars. A commencer par Christoph Waltz (le fameux colonel nazi d’Inglorious Basterds) qui joue au protecteur pétri de bonnes intentions du taciturne Django, alias Jamie Foxx. Un surdoué de la gâchette, apparemment peu enclin à l’amour des siens. 

Pour leur donner la réplique un autre tandem formé de Leonardio  DiCaprio, immonde crapule et de son majordome Samuel  L. Jackson, genre Uncle Ben’s démoniaque, insupportable de cabotinage dans son rôle caricatural de salopard noir pire que le pire es Blancs. Le casting masculin est complété par Don Johnson autre crapuleux sudiste millionnaire.

Bref, en dépit de rares bons moments pimentés d’humour noir et de quelques répliques savoureuses, pas franchement de quoi s’ébaubir. En revanche de quoi ronger son frein au cours d’une interminable projection de deux heures trois quarts. Autant dire qu’il est loin d’être al dente ce western spaghetti!

Film à l'affiche dans les salles romandes mercredi 16 janvier.

Après Anna Karénine, voici une autre adaptation d'un classique sur grand écran avec Les Hauts de Hurlevent. Le roman d’Emily Brontë en a d’ailleurs connu sept, autant que l’œuvre de Léon Tolstoï. On signalera la plus célèbre, signée William Wyler, avec Laurence Olivier en 1939. Mais il y a aussi celles de Luis Bunuel, 1954, transposée dans un contexte hispanique, de Jacques Rivette, 1985, qui se déroule en Haute-Provence, ou du Japonais Kiju Yoshida, sortie en 1988.

La dernière, à l’origine une commande, est l’œuvre de la Britannique Andrea Arnold, évoluant d'ordinaire dans un contexte urbain contemporain, et qui avait traité avec succès de la tension sexuelle entre une ado et le petit ami de sa mère dans Fish Tank. On n’en dira pas autant de sa relecture exaltée de Wuthering Heights. 

Emily Brontë, jeune femme solitaire et farouche vivant en recluse dans un presbytère du Yorkshire,  avait 27 ans lorsqu’elle écrivit l’histoire de la famille Earnshaw. L’existence paisible d’un père et de ses deux enfants, Cathy et Hindley est soudain perturbée par l’arrivée d’un jeune vagabond dépenaillé qu’Earnshaw décide d'adopter et qu’il baptise Heathcliff.

Dans le roman, il s’agit d‘un gitan. Chez Andrea Arnold, c’est un jeune Noir, ce qui ajoute ainsi une dimension raciale à la question sociale soulevée par le livre. Andrea Arnold, qui se concentre comme  les autres réalisateurs sur les sentiments passionnés que voue l’orphelin sauvage à la fougueuse Cathy, se livre toutefois à une interprétation très personnelle, en nous faisant voir exclusivement les choses du point de vue de Heathcliff.

Elle nous rappelle ainsi qu’Emily Brontë a d’abord raconté l’histoire d’un homme obsédé, miné, rongé par une vengeance qui ne pourra que s'assouvir. Celle d’Heathcliff, victime de violence, battu, rejeté, abandonné, qui disparaît et revient s’attaquer à tous ceux qui lui ont fait du mal. Au premier abord, on ne peut donc que saluer la vision audacieuse et tragique d’Andrea Arnold qui, en paraissant prendre ses distances avec l’œuvre, revient en réalité à sa source, où domine une forme de folie. 

Dommage pourtant qu’elle nous gratifie d’une mise en scène à la fois expérimentale, maniérée et fiévreuse, où un chien court inévitablement dans la boue et où une branche d’arbre cogne non moins inévitablement sur le carreau d’une fenêtre, dans l'atmosphère brumeuse et glaciale d'une lande désolée fouettée par le vent... Difficile aussi de croire véritablement aux manifestations de rage et de désespoir d’Heathcliff.

Mais inutile de préciser que tout cela fait se pâmer beaucoup de critiques. A l’inverse d’autres, on en est, qui qualifient cette adaptation d’hystérique. Avec notamment, dans le rôle de Cathy, la belle Kaya Scodelario (photo), vue dans la série Skins.

Escape from Tibet

Etudiante allemande  en médecine, Johanna s’est fixé pour but de gravir un 8000 mètres au Tibet. Mais elle ne s’est pas rendu compte de l’extraordinaire ampleur de l’exercice dans ce pays immense, aux sommets imprenables couverts de neige.

Pendant l’un de ses trekkings, elle fait une incroyable découverte et se trouve mêlée à un périlleux  voyage sur les hauteurs de l’Himalaya. En effet le "garçon d’or", considéré comme le successeur légitime du dalaï-lama, doit être emmené hors du pays pour échapper à ceux qui le traquent. Johanna passe alors de la simple touriste à l’activiste politique et se voit confrontée aux multiples dangers que lui confèrent son nouveau statut.

Certes, la réalisatrice Maria Blumencron nous propose des paysages grandioses, tout en nous faisant visiter quelques monastères tibétains. Pour le reste on demeure perplexe face à cette histoire improbable, où Hannah Herzsprung donne notamment la réplique à un Carlos Leal sombrant dans le ridicule.

Tapage nocturne

Jeunes, beaux, financièrement à l’aise, parents d’un petit Tim, Marco et Livia ont tout pour être heureux. Mais le réalisateur suisse Christoph Schaub en a malheureusement décidé autrement, en se lançant dans une intrigue abracadabrante pour leur pourrir l’existence.

Le nourrisson, âgé de neuf mois, met en effet leurs nerfs à rude épreuve avec ses pleurs incessants. Seul le bruit du moteur de leur Golf permettant au bébé de s’endormir, Marco et Livia sont obligés, nuit après nuit, solution on l’imagine éminemment pratique et crédible, de quitter leur lit douillet pour l’emmener faire une virée sur l’autoroute. Histoire de le calmer.

Jusqu’au drame, dans une station-service, où un voyou et sa copine d’un soir volent la voiture. Sans voir, de plus en plus plausible, le poupon installé dans son siège spécial sur la banquette arrière. Et c’est parti pour une interminable course-poursuite entre hurlements de pneus et grincements de freins dans la campagne zurichoise. Où rien ne nous est épargné dans le grotesque et l’invraisemblable. En quatre mots, aussi exaspérant que consternant.

Films à l'affiche dans les salles romandes dès mercredi 9 janvier.