Si la compétition ne s'est pas révélée follement emballante, on retiendra tout de même quelques œuvres. Nous en avons déjà cité trois: Gangbyun Hotel du Sud-Coréen Hong Sang-soo, Genèse, du Québecois Philippe Lesage, Sibel, cosigné par la Turque Cagla Zencirci et l’Italien Guillaume Giovanetti.

On ajoutera M, de la Française Yolande Zauberman, qui a opéré une plongée aussi noire que choc sur l’atrocité de la pédophilie à Bneï Brak, la capitale mondiale des Haredim, les ultra-orthodoxes juifs, en hébreu les "Craignant-Dieu".

C’est dans cette ville, fondée en 1920 par les Hassidiques que Menahem Lang, aujourd’hui trentenaire, a grandi, avant de la quitter à 20 ans. On le retrouve une nuit sur la plage, à Tel-Aviv où il s’est installé. Face caméra, il chante un air yiddish, avant de révéler un lourd secret.

Menahem est un homme fracassé, dont on découvre toute la souffrance au long de cet effroyable voyage dans l’indicible. Car il était un porno kid, destiné comme tant d’autres gamins au plaisir des hommes. Violé à 7 ans, dit-il, pour avouer ensuite douloureusement qu’il en avait en réalité quatre, par des membres de la communauté. Et cela à répétition, pendant des années.

Pour la réalisatrice, Menahem va faire un chemin initiatique en ouvrant la porte de sa ville natale, celle des hommes en manteaux noirs, chapeau et papillotes, celle d’une société rigide d’un autre âge, aussi hypocrite que pétrie de dogmes religieux.

Il retourne ainsi sur les lieux du crime, mais aussi sur les endroits qu’il a aimés, pour une sorte de réconciliation. Ce documentaire coup de poing d'une force incroyable contribuera peut-être à la libération d’une parole trop longtemps couverte par un silence coupable et condamnable.

Ces films se retrouveront-ils au palmarès? Réponse demain. On pourrait d'ailleurs y voir figurer sans grande surprise La Flor de l'Argentin Mariano Llinas. Rappelons que cet ovni cinématographique de 14 heures, réponse du cinéma aux séries, selon le directeur artistique Carlo Chatrian, est divisé en six épisodes, chacun correspondant à un genre. 

Il a déjà eu un Léopard d'argent pour Sunhi en 2013 et un d’or pour Un jour avec, un jour sans en 2015. Hong Sang-soo pourrait compléter sa collection de fauves avec Gangbuyn Hotel (Hotel By The River), son 23e long-métrage. Au casting, on retrouve notamment sa muse et compagne Kim Min-hee et un de ses fidèles Kwon Hae-hyo.

Après Grass qui avait enthousiasmé la Berlinale, le grand réalisateur sud-coréen a séduit Locarno en mettant en scène un poète entre deux âges et en bonne santé, sentant pourtant inexplicablement sa fin approcher. Logé gratuitement dans un hôtel au bord d’un fleuve par le propriétaire qui admire son travail, il fait venir ses deux fils qu’il n’a pas vu depuis longtemps. Parallèlement l’hôtel abrite une jeune femme que son homme a trahie et qui a demandé à une amie de la rejoindre pour la réconforter. Les cinq personnages vont se rencontrer...

Gangbyun Hotel a été tourné en noir et blanc, sous la neige, du 29 janvier au 14 février. La marque de l’auteur qui privilégie les tournages légers et rapides. Poétique, épuré, minimaliste, singulier, non dénué d’humour à l’image de ses autres films, il se déroule sur 24 heures entre retrouvaille familiales, déception sentimentale, pensées profondes, marivaudage et rasades de soju...

HSS évoque aussi avec sérénité l’idée de la mort. «J’y pense fréquemment. Cela me rend calme et me donne une perspective sur la vie», déclare-t-il lors de sa conférence de presse. «Je n’ai pas de définition sur l’après. J’aime croire qu’il y a quelque chose qui ne doit pas m’effrayer. Il y a des éléments qui me font me sentir bien quand j’y pense. Je crois qu’il n’y aura pas beaucoup de différence entre ce qui se passe ici et ce qui arrivera quand je ne serai plus là».

Hong Sang-soo a tourné son film en noir et blanc sans trop savoir pourquoi. «Juste parce que je le souhaitais. Je le ressentais comme cela». La neige y prend une grande importance. «J’aime la neige Dans mes derniers films, elle tombe déjà. Au début j’ai lutté pour unir les deux groupes que j’avais séparés. Je ne voyais pas comment lier les hommes et les femmes. Et puis la neige est tombée en grande quantité un matin. C’était très beau, un vrai cadeau du ciel. Du coup je l’ai incorporée au scénario».

Lauréat d’un Excellence Award, Ethan Hawke (photo), acteur, réalisateur et écrivain présentait mercredi soir sur la Piazza son film Blaze, inspiré de la vie de Blaze Foley, légende méconnue du mouvement Outlaw Country texan des années 70-80.

Né Michael David Fuller en 1949 en Arkansas, il grandit au Texas, joue dans un groupe évangélique, The Fuller Family, avec sa mère et ses sœurs avant de se produire à Atlanta, Chicago, Houston et Austin Auteur de chansons douloureusement intimes, il est mort tragiquement, tué par balle 40 ans plus tard.

Le film mêle trois époques avec des versions réinventées du passé, du présent et du futur de Blaze. Tout en évoquant les hauts et les bas vertigineux de l’artiste, sorte d’étoile filante de la musique touchée par la grâce, ses addictions à la drogue et à l’alcool, les différents volets évoquent son histoire d’amour avec Sybil Rosen, sa dernière nuit sur terre, l’impact de ses chansons et de sa mort sur ses fans, ses proches, ses ennemis.

Dans le rôle de Blaze, on découvre le musicien Ben Dickey, acteur débutant, prix spécial d'interprétation à Sundance où l'opus a d'abord été présenté. Bien que prometteur en sortant du schéma traditionnel du biopic, il peine à séduire, son manque de rythme le rendant interminable.

"Nous avons tous une flamme à l'intérieur"

Ethan Hawke, qui a voulu tourner un film sur la musique alors qu’il travaillait son rôle de Chet Baker dans Born To Be Blue n’a pas moins attiré une foule de fans à sa conférence de presse. L’auteur a notamment évoqué sa co-scénariste Sybil Rosen. «C’est une partie de la magie. Je suis tombé sur le livre qu’elle a consacré à Blaze. Elle a décidé de me rejoindre. Comme elle tenait un journal, cela a facilité le scénario, en rendant tout réel, visible».

Il avoue se sentir très proche du film, profondément connecté. « J’ai par ailleurs été inspiré et influencé par beaucoup d’œuvres des années 70. On pourrait voir Ben Dickey chez Altman ». En revanche il n’est pas comme son héros qui ne voulait pas devenir une star mais une légende. «Ce qui m’intéresse c’est de vivre. Je n’avais pas l’intention de mythifier Blaze. Au contraire. Je pense que nous avons tous une flamme à l’intérieur ».

C’est à l’évidence le cas de Hawke, personnage aux multiples facettes du cinéma américain et international. rarement voire jamais là où on l’attend, quatre fois nominé aux Oscars, acteur engagé pour qui tout est politique. "Notre vie à tous l'est. Lorsque nous racontons notre vie dans un film, nous sommes automatiquement politiques'. C'est l'un des comédiens le  plus polyvalent de sa génération, comme l'écrit Carlo Chatrian, directeur artistique de Locarno. Il l'a prouvé avec son goût prononcé pour la diversité en trente ans d’une carrière passée devant et derrière la caméra.

"J'adore les collaborations"

Ethan Hawke débute à 14 ans dans le film Explorers (1985) et se fait connaître du grand public lors du triomphe de Dead Poets Society (Le Cercle des poètes disparus, 1989), de Peter Weir, en se glissant, au côté de Robin Williams, dans la peau de l’étudiant introverti Todd Anderson.

En 1995, il rencontre Richard Linklater, qui le choisit pour jouer Jesse dans Before Sunrise, premier chapitre d’une trilogie pour laquelle il sera aussi scénariste. Les deux hommes ont travaillé ensemble sur huit films. Parmi les réalisateurs avec lesquels Hawke a également souvent collaboré, figurent Andrew Niccol et Antoine Fuqua. "Plus je vieillis, plus j'aime les collaborations", remarque-t-il 

Avant Blaze, il était passé à la réalisation avec Chelsea Walls (2001). Ont suivi l’adaptation de son deuxième roman  The Hottest State (2006) et le documentaire Seymour: An Introduction (2014), programmé dans la section Histoire(s) du cinéma.