Spectaculaire cascadeur à moto, Luke le rebelle tatoué apprend qu’il a un fils, Jason, issu d’une aventure d’un soir avec Romina. Déterminé à jouer son rôle de père et subvenir à leurs besoins, il abandonne son numéro du globe de la  mort et se met à braquer des banques avec un ami. Il parvient chaque fois à échapper à la police grâce à ses talents de pilote. Jusqu’au jour fatidique où il croise la route d’un ambitieux policier, Avery Cross, lui-même papa d’un garçon du même âge que Jason…

Il serait dommage d’en révéler davantage sur ce thriller aux allures de mélodrame en trois actes signé Derek Cianfrance On se contentera de dire qu’il n'hésite pas à sacrifier ses héros et qu'il continue à surfer avec talent dans cet opus sombre, poignant et palpitant, sur les thèmes de la famille, de la paternité, de la filiation, de la transmission, de la morale et de la rédemption.
 
Ancrée dans l’Amérique profonde entre violence, nostalgie et mélancolie, son histoire s’étale sur une quinzaine d’années, passant d’une génération à l’autre, naviguant entre des vies en morceaux, les relations entre les hommes, leur désespoir, leur tentative de payer les pots cassés. Fan de Scorsese, alliant la tension dramatique à l’émotion, Derek Cianfrance nous évoque des cousinages avec les grands cinéastes américains, d'Elia Kazan à James Gray, en passant par les frères Coen ou Paul Thomas Anderrson.. 

La séduction de cette saga tient évidemment aussi à la performance des acteurs. A commencer par le beau Ryan Gosling. Sulfureux sex symbol à moto cette fois, il nous offre une nouvelle composition de dur mutique, en miettes. Bradley Coper  se montre à la hauteur, tout comme Eva Mendes. A signaler également la présence du jeune Dane DeHaan, genre DiCaprio en herbe, dans ce film d’auteur à vocation de divertissement grand public, où on ne voit pratiquement pas passer les deux heures vingt. Un exploit.

Nouveau film à l'affiche dans les salles romandes.

Quelle mouche a donc piqué Pedro Almodovar pour qu’il se laisse aller à une médiocrité si indigne de lui dans Les amants passagers ? Avec cet improbable retour aux sources, le réalisateur livre une comédie qui se veut loufoque, provocatrice, transgressive, déjantée et kitchissime. Seulement dans sa tête, hélas!

Le cinéaste a situé son 19e long-métrage dans un avion qui, au départ, devait se rendre à Mexico. Mais, victime au décollage d’une panne technique qui l’empêche de poursuivre sa route ou de se poser, il est obligé de tourner en rond au-dessus de l’Espagne. L’intrigue se déroule ainsi entre la cabine des pilotes, l’office du personnel de bord, tous gays ou bi, et quelques obsédés sexuels de la classe affaires. 

Parmi eux une voyante provinciale quadra en quête de dépucelage, un tueur à gages, une maquerelle qui fiche la trouille au gratin politique, un financier véreux, un séducteur d’opérette ou encore un couple de jeunes mariés en chaleur. Imaginant leur dernière heure venue, ils se dévoilent, tandis que les stewards jouant leurs grandes sucrées façon cage aux folles grossièrement revisitée, tentent de les réconforter à coups de cocktails explosifs à la mescaline.

De leur côté, drogués aux anxiolytiques, les passagers de la classe éco dorment, échappant aux galipettes de la business dans cette farce lourdingue, louvoyant grossièrement entre l’hymne à l’homosexualité (si on la nie on ment..) et le message politique. L’appareil coincé dans le ciel ibérique est en effet censé renvoyer à une société espagnole en crise, que le gouvernement va contraindre à un difficile atterrissage forcé.

Rien à sauver dans ce laborieux huis-clos couronné par une chorégraphie démente de trois stewards sur I’am so excited des Pointer Sisters (photo). Cette sitcom pathétiquement ringarde, vulgaire et caricaturale est saturée de surcroît de couleurs agressivement criardes. Antonio Banderas et Penelope Cruz ont été bien inspirés de n'y faire qu’une apparition. Il reste à espérer que ce gros ratage n’est que... passager pour le grand Almodovar qu’on aime.

Nouveau film à l’affiche dès mercredi 27 mars dans les salles romandes.

Au début, on a tendance à craindre le pire. Et puis, on ne peut s’empêcher d’être pris par cette histoire de morts-vivants, où Jonathan Levine casse les codes du genre en le faisant cohabiter avec la comédie romantique. Un virus mystérieux ayant détruit toute civilisation, une grande majorité des gens ont été transformés en zombies. Repliés dans des bunkers pour se protéger de leur voracité, les survivants ne sortent que pour trouver de la nourriture et des médicaments.

Au cours d’une de leurs missions, Julie (Teresa Palmer) rencontre R (Nicolas Hoult), un ado zombie qui erre dans but dans un aéroport délabré et qui tombe follement amoureux d’elle. Ce coup de foudre va petit à petit réveiller les sentiments de Julie et redonner vie aux chairs mortes de R…

Warm Bodies, adapté du roman éponyme d’Isaac Marion, était annoncé à tort comme une déclinaison de Twilight. Le film peut se voir comme une critique de nos sociétés de consommation et, tout en faisant référence à Shakespeare dans ce Roméo et Juliette d’un nouveau genre, Levine œuvre dans le second degré et le comique de situation, lié à la triste situation du mort-vivant et à son désir d’être plus humain.

D’où l’aspect attachant et émouvant du mignon et fort peu terrifiant R, qui n’a pas trop de mal à séduire la jolie Julie. Résultat on craque aussi, en dépit d’une fin à l'eau de rose.

La religieuse ou le combat d’une novice rebelle

L’histoire débute en 1765. Suzanne Simonin, 16 ans, est contrainte par sa famille d’entrer dans les ordres, alors qu’elle aspire à une existence normale. Au couvent elle est confrontée à l’arbitraire de la hiérarchie ecclésiastique, notamment celui des mères supérieures. Si la première (Françoise Lebrun) se montre bienveillante, la novice enfermée contre son gré doit affronter la cruauté sadique de la seconde (Louise Bourgoin) et les avances pressantes de la troisième (Isabelle Huppert).

Le film de Guillaume Nicloux, présent en compétition au récent festival de Berlin, est une nouvelle adaptation libre du roman inachevé de Denis Diderot qui, dit-il, l’avait "marqué adolescent de façon indélébile". Contrairement à l’héroïne de l’écrivain, Suzanne ne se résigne pas. Dotée d'une force incroyable, elle résiste farouchement à la barbarie des lieux et, supportant courageusement brimades et supplices, lutte pied à pied pour retrouver le monde.

Cet hymne à la liberté bâti comme une intrigue policière est porté par la lumineuse actrice belge Pauline Etienne, qui donne notamment la réplique aux excellentes Louise Bourgoin et Isabelle Huppert. L’opus  ne se veut pas une charge anticléricale, mais s’attache à brosser le portrait d’une rebelle au fanatisme religieux et de femmes engagées dans la foi, qui libèrent des instincts de prédatrices. Une jolie réussite.

Gambit, arnaque à l'anglaise

L‘original n’avait pas trop fait tinter le tiroir-caisse. Le remake fera-t-il mieux? Pas certain. Toujours est-il que les frères Coen se sont laissé tenté par Un hold up extraordinaire de Ronald Neame, 1966, avec Michael Caine et Shirley MacLaine, pour signer le scénario de Gambit. Michael Hoffman, qui a réalisé la nouvelle mouture, a confié les rôles principaux à Colin Firth et Cameron Diaz.

Harry Dean (Colin Firth), un expert en peinture  décide d’arnaquer son patron Lionel Shabandar(Alan Rickman), richissime, odieux et prétentieux collectionneur d’art qui le méprise, en tentant de lui refiler un faux Monet. Il engage une reine du rodéo  (Cameron Diaz) pour jouer une excentrique Texane, désireuse de vendre le tableau que son grand-père aurait dérobé à la fin de la Seconde Guerre mondiale. 

La victime potentielle a pourtant de la ressource et tout va de travers dans cette arnaque à l’anglaise. A l’image d’une histoire qui se veut burlesque, pleine d’humour noir et qui cherche à séduire dans le genre suranné. Mais son intrigue cousue de fil blanc n’est pas bien conçue et manque singulièrement de rythme.

Pour leur part, les comédiens tentent d’assurer. Colin Firth donne dans le dandysme hyper british, oscillant entre l’élégance d’un Cary Grant et la maladresse d’un Peter Sellers, Cameron Diaz incontrôlable a choisi l’énergie gouailleuse, tandis qu’Alan Rickman nous offre un petit côté pervers.

Il ne suffit cependant pas de jouer les équilibristes sans pantalon sur la corniche d’un palace ou se retrouver en culotte et soutien-gorge devant un pigeon récalcitrant aux tendances naturistes, pour véritablement convaincre. Au final Michael Hoffman livre une comédie plus mollassonne que drôle, où on cherche  vainement la griffe en général acérée des Coen. 

Les enfants de Sarajevo, vingt ans après

En 2008, la réalisatrice Aïda Bejic obtenait le grand prix de la Semaine de la critique cannoise avec  Premières neiges. Elle revenait l’an dernier sur la Croisette avec Djeca , son second long-métrage où elle évoque le quotidien de Rahima, 23 ans, orpheline convertie à l’Islam dans le Sarajevo de l’après-guerre de Bosnie.

Un quotidien difficile dans la mesure où le personnage, à la fois femme et voilée subit une double discrimination dans un pays où le conflit a pris fin il y a près de 20 ans. Rahima doit livrer un combat incessant pour se faire respecter à son travail ou pour aider son frère Nedim, 14 ans, qui cherche son indépendance dans la délinquance. Leur vie se complique lorsqu’il se bagarre avec le fils d’un puissant ministre.

Entre lutte des classes, dénonciation d’une corruption généralisée et de comportements brutaux à l’égard des gens différents, Aïda Bejic raconte des drames personnels sans se laisser aller au pathos et au misérabilisme. Elle propose au contraire une chronique en forme de constat presque clinique d’une société qui a perdu toute compassion et veut oublier ses victimes. Appliquée, l’œuvre manque cependant de personnalité. On retiendra surtout la performance de la belle  comédienne Marija Pikic, qui impressionne par son jeu sobre empreint de vérité.  

Inch' Allah, avec un pied de chaque côté du mur 

Les films évoquant le conflit israélo-palestinien sont nombreux en ce début d’année. S’inspirant de ses voyages dans la région, Anaïs Barbeau-Lavalette nous y immerge à son tour avec Inch’Allah, à travers le parcours de Chloé, une gynécologue québécoise. Incarnée par Evelyne Brochu, elle travaille dans le dispensaire d’un camp de réfugiés de Ramallah, dirigé par un médecin français (Carlo Brandt).

Le spectateur suit Chloé dans son quotidien. En-dehors de son boulot, elle fraternise avec Ava, sa voisine de palier à Jérusalem, une militaire assignée au checkpoint. En même temps, elle développe une relation avec une Palestinienne, Rand, sur le point d’accoucher. Chloé tente même de les rapprocher l’une de l’autre. Sans trop de succès, au-delà de la curiosité qui les anime.

Essayant de saisir la complexité du conflit par le biais émotionnel de l’amitié entre ces trois femmes,  Anaïs Barneau-Lavalette livre un film militant sans l’assumer, aussi ambigu que son héroïne reste insaisissable. Avec comme elle un pied de chaque côté du mur. La chose débutant et se terminant par un attentat à la bombe dans un café israélien, elle semble de surcroît opter pour une démarche visant  d’une façon simpliste à justifier plus ou moins le terrorisme. 

Ce n’est évidemment pas l’avis de l'auteur, qui prétend avoir uniquement tourné un film sur une Québecoise en Palestine, sur ce qu’on devient quand on est confronté à une réalité qui nous dépasse : la guerre. "Mon regard sur les Israéliens et les Palestiniens n’est pas politique, je raconte l’histoire d’une femme prise dans un étau… "

Nouveaux films à l'affiche dans les salles de Suisse romande.